IGGY AND THE STOOGES CUELGAN "READY TO DIE" ÍNTEGRO PARA ESCUCHARLO

Iggy y los reformados Stooges con James Williamson a la guitarra han vuelto al estudio de grabación. Bueno, realmente volvieron hace bastante, les ha llevado su tiempo, esto del punk ya no es como al principio y cada paso también se mide al milímetro, pero por fin podemos decir que sacan nuevo disco. Desde hoy se puede escuchar íntegro, un poco más abajo en streaming, Ready To Die para regocijo de sus seguidores, que no son pocos.

¿Qué decir? Pues solo le he pegado un par de escuchas, ya habrá tiempo de asimilarlo detenida y repetidas veces. Aún así me parece que es lo mejor que ha hecho La Iguana en muchísimo tiempo. Tiene nervio, actitud, un sonido impecable y canciones muy pegadizas y macarras. Puede que en unos días cambie de opinión, nunca se sabe. ¿Qué os parece a vosotros?

ALICE IN CHAINS - Stone / Hollow (On Jimmy Kimmel Live!)

Alice In Chains ofrecieron ayer un mini-show en el programa de Jimmy Kimmel donde se tocaron, entre otros, Stone y Hollow, ambos pertenecientes al nuevo disco The Devil Put Dinosaurs Here, a la venta el 14 de mayo. Desde luego nada nuevo bajo el sol. Suenan igual de contundentes que siempre lo cual hace que servidor espere otro excelente disco. En cuestión de un mes tendremos la respuesta.

THE JAMES HUNTER SIX - Minute By Minute (2013)

Hay discos que te enganchan a las primeras de cambio y con el devenir de los días van perdiendo fuelle alarmantemente. Otros en cambio son como un buen vino, hay que dejarlos que se oxigenen un poco y a partir de ahí degustarlos en todo su esplendor, ganan con cada sorbo y al final te dejan un regusto en el paladar complejo pero lleno de matices y sensaciones. Los hay que ni a la primera escucha ni a la decimoquinta. Pero también los hay que desde que pulsas el play y escuchas los primeros centelleos de guitarras y vientos sabes que acabas de encontrar el parnaso. Y una tras otra escucha el nivel es excelente, sintiendo esa plenitud reservada a los grandes clásicos. 

James Hunter no es ni será uno de esos referentes indiscutibles ni sus discos probablemente entrarán a formar parte de ninguno de esos libros tipo "1001 Discos Que Escuchar Antes De Morir". Pero seamos honestos. No estamos en una época de grandes iconos ni discos que copen portadas a no ser que hablemos ya de un Bowie que edita trabajo tras 10 años o algún rescate póstumo de ese mito que ya no podrá dar el visto bueno a su edición. Sin embargo el inglés no solo ha parido 12 canciones sobresalientes que podrían caber en esa última categoría de discos que los mires por donde los mires van sobrados, sino que ha currado duro en darle un sonido clásico, alejado de modas y tendencias y se ha centrado en lo que realmente importa, las canciones.

Grabado en Nueva York y producido por Gabriel Roth, líder de los Dapkins. Cada uno de los cortes de Minute By Minute es un ejercicio de buen hacer, talento, inspiración y emoción. Soul y Rithm & Blues con corazón y unos músicos que han afinado la puntería en cada una de las notas que han vomitado desde muy dentro. La voz de Hunter va de sobrada, parece increible que este tipo no sea de color porque si cierras los ojos no podrás imaginar otra cosa. Y es que ha sido un alumno aventajado. Aunque claro, habiendo compartido escenario con gente del calibre de Van Morrison, Etta James, Willie Nelson o Aretha Franklin la cosa es más comprensible. Aunque eso no justifica en absoluto que haya parido el que para un servidor es el mejor disco en lo que va de año. ¿Exageración? Pienso que en absoluto. 

De hecho si alguien tiene alguna duda el 12 de abril tiene una oportunidad única para comprobar sus virtudes, si gana en directo o por el contrario se deshincha, pues toca en Madrid. Servidor no podrá pegarse un empacho de música negroide ese viernes por motivos laborales pero el concierto es de lo más goloso.

MÚSICA, ARTE Y COMPACT DISCS

Normalmente uno piensa que los CD's tienen funciones limitadas como almacenar archivos que posteriormente se pueden reproducir. Como mucho se pueden reutilizar para lanzárselos a algún borracho debajo de tu ventana que no te deja dormir, como posa-vasos o para colgarlos de la barandilla del balcón para que los pájaros se asusten y no te caguen (no funciona). Pero como casi todo, se puede usar de un modo artístico, o al menos es algo que pensaron en su momento dos artistas, Moreno De Turco y Mirco Pagano. 

Todo fue una campaña en 2011 para concienciar a la gente sobre los perjuicios de la piratería en internet. El resultado es impresionante y reproduce fielmente a varios de los músicos más grandes e icónicos de la historia del pop y del rock... Elvis. Hendrix, Michael Jackson, Jim Morrison, Freddie Mercury y algunos más.

A nadie, evidentemente, se le quitó las ganas de descargarse música después de ver la obra de estos dos artistas pero el resultado es cuanto menos sorprendente.

THE DOGS D'AMOUR - Sala Caracol, Madrid (24/2/2013)

En mi crónica del concierto no vais a encontrar un set-list. Tampoco vais a encontrar una comparativa del estado de forma de la banda en relación con bolos anteriores. Ni siquiera vais a leer casi nada referente a música. No voy a fingir que los Dogs D'amour hayan significado algo en mi vida puesto que los descubrí hace un par de años. Sin embargo siempre me han gustado las bandas con ese sonido deudor de los Stones, Faces y tantos otros. Si me encantan los Quireboys... sus primos hermanos me iban a gustar también. No siempre se puede ver un show en condiciones de una banda de rock festivo, borrachuzo y con grandes canciones. 

Pero sobre todo tenía ganas de volver a reencontrarme con una bloguería de los más interesante. Compañeros de unos cuantos conciertos como Tyla Deville, Lu, Koloke, Jim Dinamita o mi amigo Paco y otros que tuve el gustazo de conocer como a Savoy Truffle o Gonzalo Aróstegui Lasarte. La noche pintaba genial, en un bar junto a la sala Caracol se congregaban decenas de rockeros y al fondo la banda cenando y disfrutando del ambiente. 

En cuanto al concierto no os voy a contar absolutamente casi nada, de hecho si pensáis que esto es una crítica musical es que os he engañado. Fue una gran noche de celebración, la banda estaba bien engrasada y levantó al público, el sonido fue bueno, Tyla disfrutaba como un enano y se vació encima del escenario y los presentes terminaron pegando botes y cantando a pleno pulmón cada uno de los himnos. Da gusto ver que las dos partes, emisores y receptores, están implicados en el concierto.

Luego a continuar con la fiesta a otra parte y a charlar sobre música. Disfruté compartiendo la noche con gente cuya obsesión es el buen rock y que están curtidos en mil y una batallas. Habrá más oportunidades, eso seguro, aunque hoy toca descansar.

PRESENTACIÓN DE "BERLIN CAPITAL ALASKA" - Alfred Crespo, Dogo, Fernando Navarro y Sabino Méndez reinventando a Lou Reed

Quizás en su día Berlin fue una forma de automutilarse para Reed a nivel comercial o quizás fuera una manera de curarse las heridas que hicieron que vomitara toda la turbación y desdicha que el neoyorkino llevaba dentro en ese momento. Lo único cierto es que Berlin es considerado un disco de alto voltaje referencial para un nutrido grupo de músicos que lo sitúan como un tótem en su escala Richter a la hora de estudiar qué trabajos han provocado en sus vidas, o en sus carreras, auténticos terremotos emocionales.

No un músico, aunque sí un cuasi apóstol de la cultura del Rock en este país es Alfred Crespo. Difundiendo la buena no tan nueva del género musical que a tantos nos tiene a diario inyectándonos decibelios en vena. Tanto como director del Ruta 66 como desde hace poco con la editorial 66 rpm. Balas Perdidas. Qué Fue Del Siglo XX (Xavier Mercader) ; La Magnitud Del Desastre (Oriol Llopis); Los días Azules. Ficciones Del Blues (Susi Anechina & Manuel López Poy); Acordes Rotos (Fernando Navarro); Mújer y Música. 144 Discos Que Avalan Esta Relación (Toni Castarnado); Errors De Cálcul (Jordi Puyol Nadal); Burning. Madrid (Alfred Crespo); Quique González. Una Historia Que Se Escribe En Los Portales (Eduardo Izquierdo); La Pequeña Historia Del Rock (Eduardo Izquierdo, Alfred Crespo y Jordi Del Río)... hasta ahora esta es la lista de publicaciones que han salido a flote en la titánica empresa que supone mantener la llama viva del rock en nuestro país. Aunque también viene a rellenar un socabón hasta ahora descuidado en torno a la literatura musical dentro de nuestras fronteras, solucionando el déficit de libros originales que abrazan uno de los movimientos culturales más importantes, recurrentes y trascendentales de nuestra época.

Ahora en Berlin Capital Alaska nos teletransportan a un universo alternativo al perpetrado por Lou Reed, con una serie de relatos de ficción en los que los personajes de las historias confluyen en una tangente común, el disco como catálisis. Diez autores de variopinta procedencia pero a los que también les ha arañado por dentro de una forma u otra el tercer disco en solitario del ex Velvet Underground. Roger Wolfe, Javier Pérez Andújar, el mismo Alfred Crespo, David Castillo, Cristina Fallarás, Dogo, Josele Santiago, Sabino Méndez, Oriol Llopis y Carlos Zanón junto al prólogo de Ignacio Juliá y Rai Escalé (como ilustrador) son los artífices de este trabajo. Cada uno de ellos zambullido en una de las diez canciones del álbum.

Este viernes presentaron el libro en Madrid Crespo, Dogo, Sabino Méndez y Fernando Navarro, desgranando un poco las historias detrás de las historias y el proceso y anecdotario que hay detrás de esta obra. La cosa empezó más o menos seria pero terminó convirtiéndose en un divertidísimo cuaderno de navegación tanto por las motivaciones de varios de los autores para crear sus relatos como por algunas de las fiestas que se pegaron los ilustres en el pasado cuando eran mozos. Por lo que vi allí los presentes disfrutamos de lo lindo. Por las risas, por la oportunidad de comprender un poco mejor el libro, por la conveniencia de escuchar a gente doctorada en la materia y que viven por y para el rock y sobre todo porque nos brindaron un ratito muy ameno y nos dejaron con muchas ganas de hincarle el diente a Berlin Capital Alaska. Y teniendo en cuenta que hasta ahora de 66 rpm lo único que tengo entre mis manos es la autobiografía de Oriol Llopis y no paro de reirme a carcajadas y disfrutar como un enano, a buen seguro que la nueva criatura de la editorial no tardará en tener un lugar preferente en mis estanterías. 

RHINO BUCKET - Sala La Boite, Madrid (12/2/2013)

No es que esté desilusionado porque tampoco esperaba nada de la banda. Servidor solo quería disfrutar de algún concierto de rock sudoroso en su semana de vacaciones. Pero lo vivido en la Sala La Boite me hizo replantearme muchas cosas. Una de ellas es que no hay que fiarse tanto de los desmedidos elogios que se puedan filtrar por la red. En segundo lugar algo que ya tenía claro. Sí, un grupo funciona en un disco, pero eso no significa nada. En directo es donde se ve realmente si hay mimbres. Su disco de 2011 Who's Got Mine? me gustó bastante y por eso acudí anoche a verlos. Pues toda la fuerza y potencia que les intuía se desinflaron en la tercera canción. A partir de ahí no volví a tener esperanzas en todo el show de que la cosa fuera a cambiar y que remontaran. Solo algunos destellos de su bajista y en especial de su guitarrista (los únicos que le ponían ganas) me hicieron levantar un poco las cejas y conseguir que esbozara una pequeña mueca de satisfacción. Otro tema es el de el público. Está muy bien que cuando terminen cada tema se lleven una ovación. Pero es más relleno que otra cosa. Porque si en el meollo, en medio de las canciones, el público apenas mueve un poco la cabeza es que algo falla. Aunque tampoco puedo hablar por todos porque también vi a gente que se lo pasó bien, no siendo este mi caso.

Y todo esto no es por hacer sangre a una banda que cumplió y poco más. Es una crítica directa y airada a su frontman Georg Dolivo. Él es el líder y debería defender la imágen de Rhino Bucket. Quiero decir, cuando un grupo de rock suena bien, sus miembros cumplen y lo único que falla es su cantante y alma máter es un gran problema. No solo porque contagia a los otros músicos con su sosería sino también al público. Si eres el cantante de un grupo indie lo entiendo, la gente puede ir buscando ese concepto de cantante estático sobre las tablas y me parece perfecto. Pero un grupo que dice beber de AC/DC y que factura un rock festivo y agresivo debería de dejar a la gente con los ojos abiertos. El ejemplo más claro son los catalanes '77 quienes hacen uno de los shows más espectaculares que se pueden ver hoy día en toda Europa. Pero Georg Dolivo solo sabía tocar mientras miraba a su izquierda y a su derecha al público. Una y otra vez con cara de palo. El hombre tiene cero sentido del espectáculo y avanza con el automático puesto desde el principio hasta el final. No le pido que se tire al público pero al menos que finja un poco de entusiasmo o que interactúe con alguno de los miembros de la banda, con alguien del público, no sé... con los camareros ¡algo!

En fin, que no volveré a pagar en mi vida por ver a Rhino Bucket y es una lástima porque creo que tienen una gran sonido y buenas canciones. Pero Georg Dolivo (que no tanto el resto de la banda) es tan, tan aburrido en directo... y no tiene pinta de que la cosa cambie a estas alturas del partido.

""Por Amor A La Música"" UFO - Force It (1975)

Que UFO es una de mis bandas de cabecera no es ningún secreto. Siempre que puedo los reivindico y su discografía en su etapa clásica tiene pocos competidores. Es más, aún hoy siguen haciendo muy buenos trabajos y hace un año teníamos la confirmación más reciente con el notable Seven Deadly. Parece que Vinnie Moore le ha dado a los ingleses la estabilidad que necesitaban y aunque no me llama demasiado la atención verles en directo en la actualidad a no ser que vengan a mi ciudad, si lo hacen y tengo la oportunidad no dudaré en verlos.

Hacía tiempo que quería dedicarle un post al Force It, no por casualidad su portada está homenajeada en la cabecera de este blog, pero ahora el amigo Pupilo Dilatado me ofrece la oportunidad de hacerlo con la excusa del juego de Por Amor A La Música. Desde su blog nos lanza el reto de buscar portadas de discos donde el sexo sea explícito y nos da el pié con un excelente post del Let Them Eat Pussy de los salvajes Nashville Pussy. En esta época la banda de Pete Way, Andy Parker, Phil Mogg y Michael Schenker tenían la sana costumbre de regalarnos portadas fascinantes. Detrás de ellas estaba el colectivo de diseñadores gráficos ingleses Hipgnosis, autores de la mayoría de las mejores portadas de rock de los 70 trabajando para grupos como Pink Floyd, Black Sabbath, Led Zeppelin, T. Rex, AC/DC y un largo etcétera, además de Phil Mogg y cia. con quienes colaboraron diseñando todo el artwork de sus trabajos hasta 1982.

Force It es un disco especial por varios motivos. Uno de ellos es porque por fin empezaron a hacerse un hueco en los States. Su anterior trabajo, Phenomenon ya contenía algunos de los nejores pildorazos que han compuesto en su carrera como Doctor Doctor o la increible Rock Bottom, con uno de esos solos de guitarra definitivos para el que escribe esto. El otro motivo es porque uno de los sellos característicos de la banda, sus preciosos y emotivos teclados, se empezaron a utilizar en este disco. El pionero fue Chick Churchill de Ten Years After, a quien muchos agradecemos que pusiera su granito de arena en el sonido tan especial del objeto volador no identificado.

Michael Schenker daba de qué hablar ya en todas partes, tenía una fuerza y una técnica asombrosas, además de tocar la guitarra con pasión y componer con alma, algo que se ha enfriado en los últimos años, solo hay que escuchar alguno de sus últimos discos. No por casualidad poco después se le llegó a considerar uno de los mejores guitarristas del planeta e incluso rechazó (o eso cuentan algunas historias) a The Rolling Stones (no me lo imagino, la verdad), Whitesnake, Ozzy e incluso llegó a estar un par de días en Aerosmith cuando Joe Perry se marchó en 1979 pero abandonó por lo visto tras algunos chistes nazis que alguien del equipo técnico hizo de broma y que ofendieron al alemán, generando una anécdota 100% Spinal Tap. Pero el rubio teutón dejaba boquiabiertos a todos con la clase que tenía y en este disco plasmó casi todo su potencial, apareciendo en los créditos de 7 de los nueve temas que lo componen.

¿Qué puedo deciros de Force It? Pues que probablemente es mi disco favorito de los ingleses y que ahora mismo estoy escuchando canciones como Shoot Shoot, Let It Roll, Mother Mary, Love Lost Love, Out In The Street o Dance Your Life Away, esta con un riff que parece sacado de las llemas de los dedos del mejor Jimmy Page. Todos y cada uno de los temas incluidos son una perfecta pieza de ingeniería sustitutiva de cualquier alimento que se os ocurra para inflar el alma de un servidor. Me sigue emocionando muchísimo la música de UFO. La voz de Phil Mogg suena rugosa y más imperfecta que en la actualidad, pulida y limpia, pero a mi me gusta más como antes, al igual que la del Mick Jagger de los 70, David Johansen y otros tantos. Pete Way también se hacía un hueco en los corazoncitos de los hard rockeros y heavys, uno de los líderes de la banda que lamentablemente hoy está apartado por sus constantes problemas con el alcohol pero que ha supuesto una influencia determinante en muchos grupos y en grandes bajistas, en concreto en Steve Harris de Iron Maiden, para muchos el mejor con su instrumento del planeta, que siempre que tiene la oportunidad lo reivindica.

UFO han sido un grupo que, si bien han gozado casi siempre de un éxito relativo o incluso uno superlativo en su época de esplendor, no están en el top ten de mucha gente porque o no se han parado a escucharlos, o no les llaman la atención porque no se les han dedicado suficientes párrafos en la prensa musical. Pero para eso estamos aquí las nuevas generaciones que escriben en la blogosfera. Para gritarle a los cuatro vientos que los ingleses pueden mirar cara a cara con su discografía a casi cualquiera y que trabajos como Force It deberían de tener un hueco en el olimpo de los grandes discos de la historia del rock.

""Por Amor A La Música"" AEROSMITH - Nine Lives (1997)

Corría 1996 y los de Boston preparaban la continuación del exitoso Get A Grip. Se trataba de una tarea bastante dificil puesto que en el anterior habían encontrado la cúspide del equilibrio perfecto entre la comercialidad de baladas ñoñas como Crazy, medios tiempos brillantes como Livin' On The Edge y algunas de las canciones más duras que habían compuesto nunca como Eat The Rich o Flesh. Tom Hamilton avisaba de que tenían un material que iba a machacar a Get A Grip y es que en esta época la banda tenía la sana costumbre de componer toneladas de música para después ser selectivos y elegir aproximadamente la mitad de las canciones. Muchas cosas habían cambiado en el seno de la banda. Tim Collins, el super-manager que los resucitó había sido despedido por inmiscuirse demasiado en sus vidas. Algunos pensaban que habían superado con creces sus problemas con las drogas y que ya era el momento de aflojar un poco la correa, algo que Collins no hacía. Otros piensan que fue a causa de un enfrentamiento con Tyler puesto que parece que este había coqueteado de nuevo con alguna sustancia, algo que negaba. El caso es que cambiaron de mánager, por primera vez en una década prescindieron del gran Bruce Fairbairn en la producción y contrataron a Glen Ballard, famoso por haber catapultado al éxito a Alanis Morissette entre otros. Las sesiones se alargaron más de la cuenta y cuando ya tenían el disco muy avanzado decidieron prescindir de los servicios de Ballard (por lo visto dicen que la energía y las vibraciones no eran las que buscaban) y contratar a Kevin "Caveman" Shirley. Esto quiere decir que hay un disco alternativo casi terminado que puede que algún día vea la luz y quien sabe si hay más de una sorpresa aunque dudo que sea ni a corto ni a medio plazo. Reconozco que Shirley es uno de mis productores favoritos pero hasta 1997 había producido a Journey y poco más conocido. Eso sí, había sido ingeniero de sonido de Page & Plant, Bon Jovi, Hoodoo Gurus, Rush... Tras el Nine lives su fama le catapultó a producir discos como el By Your Side y el Live At The Greek de los Black Crowes (este último junto a Jimmy Page), todos los discos de la nueva era de Iron Maiden, Bonamassa, Black Country Communion, Joe Satriani, HIM, Supagroup, John Hiatt y un largo etc.

Get A Grip había vendido una  burrada, alrededor de 7 u 8 millones de copias en su día. Nine Lives se enfrentaba a dos retos. Alcanzar una cifra similar y al mismo tiempo debutar con Sony/Columbia tras 4 discos en Geffen. Aún así habían vuelto a la discográfica que les dió cobijo duranto los 70 y estaban bastante mimados. ¿Qué podemos encontrear en Nine Lives? Pues uno de los discos más elaborados de toda la discografía de los Toxic Twins. Desde su inicial y agresiva Nine Lives que da título al disco, con esos maullidos de Tyler cual gata en celo. La voz del bocazas nunca ha sonado mejor que en este disco, ni tan brillante ni tan potente, ni tan equilibrada. Los aires hindús que salpicaban el trabajo le venían como anillo al dedo a la manera de cantar y era capaz de catapultar una canción de chulesca a desquiciada en un pestañeo con una vuelta de tuerca a sus característicos falsetes. El resto de la banda también sonaba de miedo, desde Perry hasta Kramer aporreando la batería con clase a raudales. Falling In Love (Is Hard On The Knees) era el primer single que sacaban y he de reconocer que con ese tremendo videoclip, tias buenas, psiquiátricos, Perry tocando en unas mazmorras colgado en una jaula y demás parafernalia me dejó en estado de shock con 13 años. Get A Grip me hizo mearme en los pantalones siendo un renacuajo y esperaba con ansia este disco así que cuando salió lo ponía a diario durante meses y semanalmente durante mucho más. El single además retomaba esas letras lascivas y con dobles sentidos inigualables y fue bastante radiado en las radios y televisiones como Mtv o los 40. No tuvo ni de lejos la repercusión del anterior pero vendió sobre unas tres  o cuatro millones de copias en su día, cosa que entonces parecía floja para la mejor banda de rock de América pero que a día de hoy casi nadie tiene agallas de conseguir y casi que empezaba ya la debacle de las discográficas. No se en qué cifras estará en la actualidad pero seguro que la ha superado con creces.

Los otros singles fueron el último gran baladón para mi gusto. Hole In My Soul debió de destrozar las cuerdas vocales de Tyler al grabarlo (con una espectacular y hasta entonces desconocida Eva Mendes en el videoclip) y mantenía la fuerza de otras como What It Takes o Amazing. Full Circle, un gran medio tiempo y fue otro de los singles y la fallida y horrenda Pink fue la última, donde lo único que se salva es un divertido y original videoclip. El resto del disco se desarrollaba entre potentes medios tiempos y alguna canción bastante dura como la asombrosa Taste Of India, tema que centraba la temática hindú del disco y que suena con mucha fuerza; Attitude Adjustment, Ain' That A Bitch, la guitarrera The Farm, la esquizofrénica Crash (uno de los temas más duros de su discografía) o una de mis favoritas, Something's Gotta Give, chula y con Tyler dándolo todo con la armónica, especialmente al mitad de esta. Además, Falling Off, el típico tema marca Joe Perry, compuesto y cantado por él, en la línea del Joe Perry Project.

¿Baladas? Pues solo hay tres de catorce temas y considero que la única fallida es la mediocre Kiss Your Past Good Bye. Hole In My Soul me parece muy buena y la final Fallen Angels, que cierra el disco me parece bastante digna. De hecho ojalá fueran capaces hoy de hacer aunque sea una como esta, un cierre perfecto. De Pink ni hablamos porque no se como definirla. Canción pop que a la gente le gustó pero que a sus fans horrorizó. De hecho creo que hay dos temas que no dan la talla, algo perdonable porque es una media habitual en cualquier disco. El resto me parece de nota y sigue siendo un disco que a día de hoy me sigo poniendo bastante.

El "art work" también es muy bueno y viene como anillo al dedo a esta semana en el juego de "Por Amor A La Música". Desde el blog No Fun Magazine nos lanzan el reto con un excelente post sobre el Brick By Brick de Iggy Pop de buscar portadas con estética de cómic. Stefan Sagmeister hizo el diseño de Nine Lives y no solo contiene mil detalles por todas partes con un barroquismo muy original ya que continuamente encontraba en su día nuevos detalles que llamaban mi atención, sino que cada página del libreto está diseñada como una historia independiente pero al mismo tiempo enraizada en la anterior, creando así una espiral en la que cada página tenía un dibujo en las que se las arreglaba para que contuviera en este el dibujo de la anterior, creando así un loop sin fin. Incluso una de las páginas es un cómic, en la siguiente ese cómic es un periódico que está en el suelo dentro de otra viñeta y así sucesivamente. Incluso el cd físico tenía por todas partes dibujos de un elefante y una gata, dioses hindús practicando infinidad de posturas del kamasutra en viñetas pequeñas que rodean al disco. De hecho la inocente portada donde aparece una gata con ropajes bailando sobre un coro de serpientes agresivas tuvo que ser censurada porque llegaron a tener incluso manifestaciones pues habían imitado a una diosa hindú, le habían puesto la cara de una gata y habían profanado a su divinidad. Pocos meses después cambiaron la portada y pusieron a la misma gata pero crucificada a una ruleta giratoria, la cual sigue a día de hoy como cover del Nine Lives, sintiendonos los que compramos la original un poco afortunados por ese afán coleccionista y exclusivo.

En definitiva, considero el duodécimo trabajo de estudio de Aerosmith un disco sagrado que personalmente exprimí como pocos en mi vida he hecho y que fue de los que me hizo abrazar con más fuerza aún y ya para siempre al rock n roll y a toda su iconografía con 13 años. Imparcialmente hoy diría que es merecedor de un notable alto pero, claro, la imparcialidad a veces es mejor tirarla al fondo del mar y seguir pensando que hay discos, mejores o peores, pero que han sido decisivos por muchos motivos para cada uno de nosotros y sin duda este es uno de los que a mi me hicieron perder la cabeza de renacuajo.

LO MEJOR DE 2012

Bastante tarde, cierto. Pero bueno, más vale tarde que nunca que dice el refrán. Además, sigo sin tener claras muchas cosas. Por ejemplo, el mejor disco del año. Al final he tenido que pensar en cual ha sido el que más veces me he puesto y me ha apetecido escuchar más y ahí la cosa está clara. Los suecos Spiders con su mezcla entre The Runnaways, MC5 Y Motörhead se llevan la palma con su inmenso Flash Point, aunque los trabajos de Jack White, Foxy Shazam, Graveyard, Mark Lanegan, Redd Kross y por supuesto The Cult han tenido posibilidades y quien sabe si en varias semanas no estaré cambiando de opinión.

Hay que destacar también de este 2012 que hemos dejado atrás grandes noticias como el regreso discográfico de Aerosmith, Van Halen, The Darkness, The Cult o la reconciliación de The Rolling Stones. Los Black Crowes también han vuelto tras ese parón indefinido que anunciaron hace varios años y parece que habrá una gira más extensa de lo que se pensaba en un principio. Muchas buenas noticias y otras que ya se están gestando y que cuajarán en 2013 como por ejemplo el nuevo disco de Michael Monroe, ya casi listo.

En cuanto al mejor disco nacional también ha sido tremendamente dificil. Eso sí, si tengo claro que si a nivel de cine ha sido el año de mi ciudad, Sevilla, con películas como Grupo 7, Carmina o Revienta, El Mundo Es Nuestro o Secuestrados, también tengo claro que a nivel nacional hemos dado un puñetazo encima de la mesa para que se tenga en cuenta el rock hispalense. Pájaro ha sido el ganador por goleada. Santa Leone, el disco de Andrés Herrera ha creado paisajes antes poco explorados en nuestras fronteras y les ha dado una vuelta de tuerca excepcional, con un aroma nuevo y adictivo que parece que tendrá continuidad en un segundo álbum que ya están preparando. Sin embargo The Milkyway Express también han sacado un discazo de rock & roll de raices, Los News la han liado con Automedication, una salvajada de álbum que merecen el premio también al mejor debút por goleada y que superan con uno de los mejores directos que se pueden ver en este país, All La Glory han asomado la patita con su excelente disco de título homónimo que nadie debería perderse y Marvin Green a última hora han editado otro de los mejores discos del 2012, pero estos cantando en español y con dos huevos habiendo grabado La Soledad Del Sheriff Kane en poco más de 6 horas. Mención especial para Julián Maeso, realmente el triunfador del año porque es el teclista de Santa Leone del Pájaro, el cual considero el mejor disco del año, pero que también ha editado un doble disco que me ha dejado boquiabierto y que se queda en segunda posición solo después de haber revisado la photo phinish. Maeso ha creado algo tan bello estremecedor y con tanta garra que muchos hemos abrazado su disco y no pensamos soltarlo en mucho tiempo. 

Y en cuanto al mejor concierto del año la cosa habría estado dificil si no fuera porque hace un par de meses The Jim Jones Revue pasaron por Madrid y abrasaron nuestros oídos y nuestros ojos con un show infatigable, intenso y con un repertorio matador que nos dejó con la boca abierta a todos los presentes. Además los ingleses vienen con un álbum espectacular que me ha tenido muy enganchado y es justo darle al César lo que es del César. Jim Jones repartió rock n roll a raudales y mostró chulería y toneladas de carisma sobre el escenario.

Por último os dejo con el tradicional Playlist de Spotify donde podéis escuchar muchas más bandas que me han gustado y que han sacado trabajos enormes donde podréís disfrutar de dos horas de música y grandes bandas de rock. Ha sido un buen año y una gran cosecha que da como fruto este brebaje que espero que degustéis sin ningún tipo de moderación.

""Por Amor A La Música"" THE DARKNESS - Permission To Land (2003)

Admiro a Lemmy pero si algo puedo echarle en cara es haber cometido la estupidez de burlarse de The Darkness y en concreto de su cantante Justin Hawkins en el documental sobre el líder de Motörhead. Probablemente a Dave Grohl le pareció muy gracioso todo pero es estúpido ningunear a una banda con una personalidad arrolladora. Puede gustar más o menos pero decir que su disco debút, Permission To Land, es una mierda es de necio o como poco de ignorante. Aunque probablemente se trataba solo de una gamberrada como el que se ríe en el colegio de otro niño con un par de años menos y le mete caña. Eso sí, Lemmy debió quedarse con los ojos como platos y maldecir a Hawkins cuando unos años después intentó entrar en un concierto de los ingleses y había órdenes estrictas de no dejarle pasar. 

No recuerdo donde leí la crítica que me hizo lanzarme de cabeza por este disco pero sí recuerdo que fue darle al play y darme cuenta de que no estábamos ante el enésimo timo de la estampita ni ante algo fugaz y pasajero sino ante una banda con auténtica personalidad y mimbres de sobra para mirar cara a cara a la mayoría de grupos. Guitarras herederas de los hermanos Young, canciones que emulaban los paisajes sonoros de Thin Lizzy o Queen y un cantante con carisma, descaro, divertido, con una estética deudora de Steve Tyler (su traje de rayas blancas y negras de hecho es un calco casi exacto del que lucía el de New Yorkers en los 70) y con una voz diferente a todas, algo muy dificil, que un cantante te haga darte cuenta de que aún hay espacio en tu cabeza para la capacidad de sorpresa.

Ya con los guitarrazos de Black Shuck al principio uno piensa que vamos a tener otra clonación de AC/DC pero es empezar a cantar Hawkins y transforma la canción y la catapulta muchos metros por encima. I Believe A Thing Called Love, el gran hit que los convirtió en nº 1 en Inglaterra y les abrió el camino en los States, un gran tema pero no creo que sea el mejor del disco aunque es el single perfecto y la canción que volvió a poner al rock inglés en el ojo de todos, algo que no pasaba desde Oasis y la fiebre por el brit-pop. Growing On Me es un medio tiempo enorme donde el estribillo juega con coros que le sientan de fábula y es de los pocos temas donde su cantante no abusa del falsete. Love Is A Feeling, tema lento para ponerse meloso pero que demuestra el talento de la banda para hacer temas bonitos pero también poderosos y con alma, algo que muchos grupos no consiguen ni alcanzar con la punta de los dedos, a veces cayendo incluso en el ridículo de baladas bochornosas. Por supuesto Get Your Hands Off My Woman y Givin' Up otros dos trallazos para ponerse a saltar y practicar el "air guitar" pero que también demuestran algo que no todos los cantantes son capaces y que hace poco en una entrevista Joe Perry alababa sobre Steve Tyler, la capacidad para crear ritmo con los fraséos, cosa que Hawkins también hace de maravilla.

En definitiva es un disco sin desperdicio. Al igual que se dice que del cerdo se comen hasta los andares de este disco se disfruta hasta de la portada. Con una chica desnuda dando señales a una nave para aterrizar, rememorando esas portadas clásicas de los 70 que tanto echo de menos, en concreto recordándome a las de Boston, una de las bandas con un sonido más apabullante que haya escuchado jamás y de la que The Darkness también beben. Y hablamos de beber de sonidos. Siempre se habla de Thin Lizzy, AC/DC, Aerosmith o Queen pero a mi hay temas que me recuerdan una barbaridad a mis amados Cheap Trick.

En 2013 se cumplen 10 años ya de la salida al mercado de uno de los debúts más apabullantes que se han hecho en muchísimo tiempo y un disco crucial para devolver a los ingleses el autoestima que nunca debieron perder. En su día dominaban el mundo del rock gracias a Clapton, The Faces, The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, Queen y otros tantos. The Darkness fueron la mejor noticia para una riqueza musical, al menos en cuanto a popularidad, mermada y para nosotros es una satisfaccción ver que la banda de los Hermanos Hawkins han limado sus diferencias y han vuelto con un gran disco bajo el brazo, con los mismos ingredientes (incluyendo una gran portada) y ya van tres de tres en su haber.

Y tratándose de una gran portada para dar salida esta semana al juego de "Por Amor A La Música" y teniendo en cuenta el frio que hace, he pensado en caldear el ambiente un poco. La clave es buscar discos donde aparezcan cuerpos desnudos o semi-desnudos.

""Por Amor A La Música"" SPINAL TAP - Back From The Dead (2009)

Me ha sido imposible cumplir puntualmente a la cita de Por Amor A La Música. Estoy hasta arriba de trabajo últimamente. Pero aunque sea unas horas más tarde ahí va mi post. Y teniendo en cuenta que ya estamos en el día de los inocentes, en vez de gastar un broma al uso de esas que ya no se cree nadie, me he decidido a comentar un disco de la banda broma por excelencia, Spinal Tap. El amigo Aldo nos planteaba el reto de buscar un disco que tuviera en su portada un sol o una luna y Back From The Dead contiene esta última.

Ok, podemos pensar que Spinal Tap son una coña. Lo son. Pero son realmente músicos, tienen una legión de fans que aún hoy día los reivindican (tengo un colega que si le preguntas te dirá que es su banda favorita y le entiendo), han compuesto sus canciones, han creado incluso tendencia con grupos parodia como Steel Panther y además son parte de la historia del Rock. ¡Pero si han salido en los Simpsons! Además de ser protagonistas de la mejor película del género que se ha hecho, claro.

Corría el año 2007 y ese verano sucedió aquel macro-evento en Londres llamado Live Earth donde infinidad de bandas pusieron su granito de arena por un motivo benéfico. Desconozco si esto sirvió de algo para ayudar al tercer mundo pero para lo que sí sirvió es para que Dave St. Hubbins, Nigel Tufnel y Derek Smalls limaran sus ficticias rencillas. Poco después anunciaron, para regocijo de todos sus fans, una gira mundial de ¡un único concierto! Y en 2009 salía a la venta Back From The Dead, un nuevo trabajo, el tercero en la vida real y en la ficticia algo así como el 34 entre recopilatorios y mamarrachadas.

Cinco canciones nuevas y otras tantas ya editadas pero muchas regrabadas para la ocasión. ¿Qué más da? La banda más estúpida del planeta (con permiso de Tokyo Hotel) estaba de vuelta y eso era un gran motivo de celebración. Warmer Than Hell, Back From The Dead (grabada en 2000 pero disponible hasta entonces solo on-line), Blues Celta, Rock 'n' Roll y Short And Sweat además de Jazz Oddyssey que apareció brevemente en la película y que aquí conforma una trilogía. 

¿Qué podemos esperar? Lo que no podéis esperar es una respuesta si no habéis visto aún la película. Así que poned el volumen al 11 y dadle al play.

¡¡¡THE BLACK CROWES HAN VUELTO!!! Nueva gira en marzo

Después de un par de días desconectado en un pueblecillo sin apenas cobertura me entero ayer de que los que sospechábamos que habría alguna suculenta noticia en la cuenta atrás que finalizaba en el 25 de diciembre, aparecida en la web oficial, estábamos en lo cierto. Me sorprende que casi ninguna web nacional e internacional se hayan hecho apenas eco de lo que sin duda es un notición. The Black Crowes vuelven a dar señales de vida desde hace 24 horas y como si nada. ¡¡Creía que no se hablaría de otra cosa!!

Pues la cosa está así. Hay anunciada una gira básicamente por USA y UK y no tengo ni idea de si van a ampliar fechas. Os pongo aquí las que realmente interesan, al menos a la mayoría. El comienzo de gira es el 24 de marzo en Manchester, el 25 en Birminghan, el 27 en Glasgow y el 29 y el 30 en Londres (esta última me seduce mucho). El resto de fechas están en su facebook oficial o en este link. ¿No es un bonito regalo de navidad?

""Por Amor A La Música"" M CLAN - Un Buen Momento (1995)

Nueva ronda de "Por Amor A La Música". En esta ocasión la cosa cambia y tratamos de recordar discos cuya portada tenga algún paralelismo con la clave del post original. Y ya que Tsi-Na-Pah ha elegido el Hawks & Doves de Neil Young había que buscar un álbum que tuviera estrella/s. Pues perfecto, hace tiempo que quería dedicarles una líneas a los protagonistas de esta entrada.

M Clan fueron un descubrimiento de lo más excitante en mi adolescencia. Lo hice con Coliseum, que a día de hoy sigo venerando, pero poco después ya estaba también deborando su disco debút, Un Buen Momento. Lo tenían todo: actitud, un sonido increible, influencias bien asimiladas, personalidad, grandes canciones, buenos estribillos, músicos extraordinarios, un guitarrista demoledor y un frontman con una voz espectacular y buenas maneras sobre un escenario. Era algo que en este país hacía falta como agua de mayo.

Ya con el comienzo en Se Calienta, con un piano protagónico conseguían enganchar; En Mis Manos, tema de corte más festivo, con vientos y una letra muy pegadiza; por supuesto Un Buen Momento, una canción muy 50's pero muy cañera, con una guitarra y un piano a tope y uno de los estribillos que más se han cantado en los finales de fiesta (servidor se ha subido al escenario en una boda creyendo que ese era mi momento de gloria); Volando Alto, con un riff más hard pero una letra que siempre me encantó y que este verano un amigo siempre me dedicaba en una jam en Conil reivindicando a la banda; Donde El Río Hierve, una de mis favoritas, donde la banda murciana demuestra todo su potencial, con protagonismo del slide y una armónica muy bluesera, una letra algo surrealista y una dupla Tarqué-Campillo que se salen cada uno en su terreno... realmente todos y cada uno de los temas de este disco son de nota. Es uno de los trabajos que tengo más masticados de toda la música española y pienso que también uno de los mejores.

Lamentablemente todos sabemos lo que sucedió luego. Coliseum endureció un poco su sonido y para servidor fue su obra cumbre (aunque siempre hay muchos que consideran que Un Buen Momento merece esa distinción), Usar y Tirar fue su salto hacia el mainstream con Alejo Stivel de productor, suavizando algo su sonido y atontando sus letras, con su gran hit Llamando A La Tierra que todavía hoy muchos piensan que es un tema original de los murcianos; disputas en el seno de la banda y su principal líder, Santi Campillo se larga no sin antes hacer un disco en acústico, Sin Enchufe, además de pasar por los juzgados para reclamar su parte; una serie de trabajos que es mejor olvidar y parece que en los dos o tres últimos discos están recuperando la coherencia y la inspiración. Un sonido y unas canciones diferentes pero que vuelven a tener algo de magia y seriedad y vuelven a llamar la atención de algunos viejos fans que los daban ya por perdidos.

Aún así Un Buen Momento es la pieza de ingeniería perfecta de rock and roll patrio que mira de reojo a The Black Crowes, The Faces, The Rolling Stones y tantos otros. Una capítulo de nuestra música efímero pero que a muchos nos maravilló. Otras bandas como Sol Lagarto, Ron Vudú o 69 Revoluciones han seguido el camino marcado posteriormente con una suerte dispar pero ninguno ha llegado a igualar tal gesta. Quizás sea bueno tener discos sagrados inalcanzables que iluminen el camino a otras tantas bandas en el dificil objetivo de llegar a una gesta que supuso un soplo de aíre fresco en el panorama musical patrio, pero también supuso una llamada de atención a otros músicos demostrando que se puede hacer esta música coherentemente en el idioma de Cervantes.

HUEY AND THE NEW YORKERS - Say It To My Face (2012)

Pues qué queréis que os diga... Classic Fantastic, el último disco de los Fun Lovin' Criminals, me gustó pero si os digo la verdad llevo un par de días disfrutando de lo lindo con el descubrimiento del nuevo trabajo en solitario (primero hasta la fecha creo) de su líder, denominado Huey & The New Yorkers. Su compañero Brian Fast Leiser ya se descolgó hace unos meses con un álbum en el que sacaba a relucir un montón de temas que tenía guardados y descartados además de, supongo, alguno nuevo para la ocasión. Mucho DUB y todo instrumental, no está nada mal, pero es solo para ciertos momentos de reláx.

Sin embargo Huey Morgan ha facturado un trabajo inmenso, con menos bases programadas, loops, samplers y todos esos rollos que están bien para un ratito pero aquí hay funky, soul, blues, folk, sí, también algo de hip hop (solo una pizca, no os echéis para atrás), rock, armónicas, ukeleles, slides, hammonds, buenas guitarras, ritmos vacilones, canciones reposadas y yo que sé más.... uuufff! Cojo un poco de aliento. Un segundo después vuelvo a poner Say It To My Face, un disco muy muy adictivo amigos. De lo mejor que ha grabado este hombre nunca, incluso con los Criminals. Está escalando muchas posiciones en mi Top Ten 2012, una de la gratas sorpresas de última hora de este año.

Podéis escucharlo enterito en este link.

Ya de paso, como no creo que pueda conectarme el 24 o el 25, aprovecho este post para felicitaros las fiestas con esta bonita canción navideña que han grabado y que suena deliciosa.

RED STRIKE - Talkin' Today (2012)

¡¡Buenas noticias desde Suecia!! Parece que la factoría de grandes bandas sigue a tope y sería imposible enumerar la cantidad de buenos discos que nos brindan cada año. En concreto en 2012 y gracias a la discográfica madrileña Ghost Highwat Recordings muchas de ellas están viendo hecho realidad sus deseos de grabar y publicar ep's y lp's como churros. Hay tantos trabajos de un nivel enorme que están saliendo adelante gracias a esta discográfica que habría que adorarlos como uno de los pocos sitios donde perder la cordura sanamente, escuchando uno tras otro todos los proyectos que están llevando adelante. Jetbone, Imperial State Electric, The Hip Priest, Bloodlights... todos ellos están encontrando apoyo en el sello madrileño.

Red Strike son una banda sueca que bebe del garage y del punk de finales de los 60 y los 70. MC5, The Stooges, The Sonics o como ellos mismos apuntan, también Hurriganes o Sonic's Rendezvous Band se encuentran entre sus influencias aunque es evidente que los dos primeros discos de The Hellacopters deben de haber aportado también su granito de arena.

Ya desde el excelente diseño de la portada la cosa pinta bien. Suenan ruidosos, disonantes, crudos y demencialmente potentes. Han sacado Talkin' Today, un debút con 7 canciones que no permite ni un pequeño respiro. Siete temas en 20 minutos. Tres de las canciones se pueden descargar libremente en este link y para los más perezosos también os dejo abajo el disco entero para escuchar.

""Por Amor A La Música"" IRON MAIDEN - Brave New World (2000)

Esta semana es el amigo Pupilo Dilatado quien nos lanza el reto de Por Amor A La Música con un excelente post sobre Red Kross donde las palabras clave son Show y World.

Corría 1998 y yo estaba bastante enganchado a los discos en solitario de Bruce Dickinson, Accident Of Birth y The Chemical Wedding. No es que sea un devoto del Heavy Metal (de hecho rara vez lo escucho) pero el sonido más contemporáneo de estos me había enganchado. De heavy clásico no había escuchado mucho y lo poco que me entusiasmaba eran varios discos casualmente de Maiden. 

Precisamente ese año se rumoreaba que La Doncella iba a volver con Dickinson y con el también ex guitarrista Adrian Smith, ahora también con el vocalista en solitario. Todo ellos se cumplió para regocijo de sus fans. Dickinson puso como condición el retorno de Smith y Smith puso como condición que no se despidiera a ningún guitarrista, con lo cual Iron Maiden ahora tenía tres hachas, algo en lo que Steve Harris pensó en los comienzos de la banda pero que nunca había llevado a cabo. Ahora era su oportunidad, todos contentos. Brave New World supuso un exitazo para la banda que desde hace años no levantaba cabeza con Blaze Bailey al micro.

En este disco se aunaba y fusionaba el sonido clásico con la contundencia y el muro sónico de las tres guitarras así como la influencia que Smith y Dickinson aportaban con un sonido algo más áspero y moderno. El resultado fue un gran éxito de crítica y público. Brave New World sació a los viejos fans y produjo un "efecto llamada" en miles de chavales que se habían pasado al culto de grupos como Metallica o Slayer. Iron Maiden volvian a demostrar porqué eran considerados la mejor banda de heavy metal del planeta y que tenían cuerda para rato.

Con una fabulosa producción a cargo del gran Kevin "Caveman" Shirley (The Black Crowes, Aerosmth, Journey, Black Country Communion, Rush, The Hoodoo Gurus...) y canciones que sonaban a auténticos himnos(Out Of The Silent Planet, Brave New World, Blood Brothers...), junto con otras de corte más hard rock y riffs pegadizos (The Wicker Man) así como otras  de un corte más clásico, con un sonido agresivo y épico (The Mercenary, The Fallen Angel, Ghost Of The Navigator...). En Brave New World se mezclaban pasado, presente y futuro. Todos quedaban satisfechos, el disco conseguía excelentes cifras de ventas (nº1 en inglaterra y algunos países más) y la gira posterior se convirtió en una de las más exitosas de la historia de la banda.

Iron Maiden han seguido desde entonces en la brecha con la misma formación y sumando aún más seguidores, agrandando aún más la leyenda. Un sonido no muy diferente, mismo productor y estadios a reventar. Nada nuevo bajo la sombra del Eddie. Sin embargo hay una premisa que es evdente que llevan a  rajatabla y de ahí uno de los secretos de su éxito. Hagan discos magistrales como este, o estén un peldaño por debajo, si algo funciona no lo cambies.

PD: todo esto no es más que un hiper-resumen de un megapost que tenía preparado sobre este disco y que se ha ido al garete por cortesía de blogger.

GREASE HELMET - Grease Helmet (2012) Andy McCoy Ha Vuelto

Es sorprendente que alguien como Andy McCoy siga en pié. No solo eso sino que siga facturando grandes riffs y grandes canciones. El último disco junto a Michael Monroe en Hanoi Rocks, Street Poetry, fue de muchos kilates. Ahora se ha asociado con unos cuantos amiguetes de distinta índole y vuelve con un excelente proyecto de nombre Grease Helmet.

De todos es bien sabido sus problemas con las drogas y su estado físico es bastante jodido. Puede que esté limpio pero habla y tiene la mirada perpetua ya de un toxicomano. La mala vida se ha cebado especialmente con un tipo como él. Pero a la hora de tocar la guitarra ¡Hay amigos! Ahí ya es otro cantar. Porque vuelve a demostrar porqué ha sido uno de los guitarristas más influyentes de los 80 y porqué Hanoi Rocks es reivindicado por tata gente.

Grease Helmet está formado por Jere García a las voces (¡gran descubrimiento!), Niclas Etelavuori al bajo, Jan Rechberger a la batería, Ben Varom a la guitarra rítmica y por supuesto nuestro gitano autodestructivo McCoy a la guitarra solista. Las canciones tienen punch y una gran variedad, ya que no solo cambian de un tono oscuro a otro más gamberro y salvaje o incluso un rock de corte algo más clásico sino que introducen muchos vientos y experimentan con las guitarras y las voces. ¡Hasta la portada me gusta! Para amantes de los 80 no tiene precio. Si te apasionan los Hanoi Rocks, L.A. Guns, Mötley Crüe y otros tantos puede que este sea tu disco de este año.

Andy McCoy se burla del diablo y le da un puntapié en la entrepierna. No solo sigue vivito y coleando sino que está en un gran estado de forma con su guitarra que suena atronadora y chulesca, está inspirado y se ha rodeado de unos compañeros más que competentes para una banda a la que le deseo mucha longevidad.

BOLSA DE NOTICIAS (10/12/2012)

Michael Monroe y sus secuaces tienen ya terminado su nuevo disco y totalmente grabado. Solo faltan algunas mezclas. El álbum saldrá probablemente en algún momento de los primeros meses de 2013 pero aún no hay fecfa confirmada. [+INFO]

Nick Cave también tiene nuevo disco grabado. Push The Sky Away saldrá el 18 de febrero. Ya se puede escuchar alguna canción por la red. [+INFO]

Rectifico con la noticia de ZZ top. Varias webs han anunciado que tocaban en enero en España pero la info es errónea. Se trata de una banda tributo llamada ZZ Top's!! [+INFO]

También Jon Spencer y la Blues Explosion se acercarán a nuestro territorio, aunque un mes más tarde. 7, 8 y 9 de febrero en Barcelona, Madrid y Bilbao respectivamente. [+INFO]

Nikki Sixx ha declarado que tiene mucho material compuesto, que Mick Mars también y que están deseando ponerlo todo en común pronto. ¿Se avecina un nuevo disco de Mötley Crüe? [+INFO]

Los Enemigos también vuelven a la carga y aseguran que tienen canciones compuestas, que van a grabarlas ya y que no da para un disco pero sí para un Ep. El productor será Carlos Marino y quieren tenerlo listo para abril o mayo. Sin duda un notición que la cosa siga adelante y con ganas de hacer cosas nuevas. 

[+INFO]

Buckcherry acaban de publicar hace unos minutos el video de Gluttony, el primer single de su nuevo disco Confessions, a la venta el 19 de diciembre.